ミキシングマスタリング｜違いと役割をわかりやすく解説

2025年8月30日

ミキシングとは｜音源を一つの作品にする調整作業

楽曲制作の工程でよく耳にする「ミキシング」という言葉。シンプルに言うと、録音した複数のトラックをひとつにまとめ、聴きやすく、作品として完成度を高めていくための調整作業だと説明されています（引用元：Standwave)。ただし、この工程は単なる「整える」作業にとどまらず、曲の世界観や個性を形づくる大切なプロセスだとも言われています。

各トラックを調和させる作業

ミキシングでは、ドラムやベース、ギター、ボーカルといったトラックごとに録音された音を、一つの楽曲として自然に溶け込ませていきます。具体的には、音量バランスの調整、定位（パン）の設定、EQで不要な帯域を削ったり強調したりする処理、さらにリバーブやディレイといった空間系エフェクトを加えることが挙げられます。これらの工程を経ることで、各楽器がぶつからず、全体が聴きやすいまとまりに仕上がるとされています。

曲の個性を形づくるクリエイティブなプロセス

また、ミキシングは単に「音を整える」だけではなく、曲のキャラクターを決定づける作業でもあります。たとえば、ボーカルを前に押し出して歌詞を強調するのか、それともリバーブを深めにかけて幻想的な雰囲気を演出するのか。こうした選択によって楽曲の印象は大きく変わると言われています。エンジニアの判断やアーティストの意図が反映されるため、ミキシングは非常にクリエイティブな作業として位置づけられているのです（引用元：Mizonote)。

リスナー体験を左右する重要性

仕上がったミックスは、その後のマスタリングによって最終調整されますが、土台となる音のまとまりが不十分だと、いくらマスタリングを施しても良い結果は得にくいと指摘されています。そのため、ミキシングは「作品としての聴き心地」を決める重要な要素だと理解されているのです。

まとめると、ミキシングは単なる技術的な作業ではなく、アーティストとエンジニアの感性が交わり、楽曲の色を決めていく創造的なプロセスだと考えられています。音楽制作において欠かせないステップであり、リスナーに届く最終的な体験を大きく左右すると言えるでしょう。

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マスタリングとは｜作品として完成させる最終工程

音楽制作の流れの中で「最後の仕上げ」として行われるのがマスタリングです。ミックスで個々のトラックをまとめた音源を、どんな環境で再生しても聴きやすい音質・音圧に整え、最終的に配信やCDといったフォーマットに対応させる作業だと説明されています（引用元：Standwave)。

あらゆる再生環境に対応するための調整

マスタリングの目的は、スピーカーやイヤホン、車載オーディオなど再生環境が異なっても、同じように音楽を楽しめるようにすることだと言われています。音圧を適切に上げ、EQで帯域を調整し、コンプレッサーやリミッターでバランスを整えることにより、どの環境でも安定したクオリティを実現できるとされています。近年ではストリーミング配信の普及に伴い、各サービスに最適化したマスタリングも重要視されるようになっています。

アルバム全体の一貫性をもたせる

マスタリングは1曲ごとの仕上げだけでなく、アルバム全体のバランスを取る工程でもあります。例えば、曲ごとに音量差が大きすぎると聴き手に違和感を与えてしまうため、音量レベルや音質をそろえて一貫性をもたせることが必要だとされています（引用元：LANDR)。また、曲順を通して流れを設計することで、作品全体にまとまりを与える役割も果たしています。

音楽を作品として完成させるプロセス

ミキシングが楽曲の骨格を整える作業だとすれば、マスタリングはそれを世に送り出すための「最終仕上げ」だと例えられることもあります。エンジニアは、細部の調整を行いながら音源を商品としてリスナーに届けられる状態にまで高めていくのです。アーティストの意図を尊重しつつ、リスナーに心地よく響くよう調整する点に、マスタリングの奥深さと重要性があると言われています。

このようにマスタリングは、ただの技術的作業にとどまらず、音楽を「作品」として完成させるための不可欠な工程として認識されています。

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ミキシングとマスタリングの違い｜役割と処理対象の比較

音楽制作において「ミキシング」と「マスタリング」という工程はよく並べて語られます。しかし、それぞれの役割や対象は大きく異なると説明されています。わかりやすく言えば、ミキシングは曲を組み立てる段階、マスタリングは完成した作品を世に送り出す段階にあたると考えられています（引用元：Standwave)。

ミキシングは「個々のトラックを調整する工程」

ミキシングでは、ドラム・ベース・ギター・ボーカルといった複数のトラックを扱い、それぞれの音量や定位（パン）、EQ、リバーブなどを使ってバランスを整えていきます。つまり、音の一つひとつを丁寧に磨き上げて「曲として聴きやすくする」段階だとされています。エンジニアやアーティストの意図が強く反映されるため、曲のキャラクターを決定づけるクリエイティブなプロセスとも言われています（引用元：Mizonote)。

マスタリングは「ステレオ音源全体を仕上げる工程」

一方でマスタリングは、すでに完成したミックス音源を対象とします。トラック単位ではなく、2ミックス（ステレオ音源）全体を処理し、音圧や音質を整え、あらゆる環境で安定して聴ける状態にするのが役割だと説明されています。アルバム全体の音量やトーンの一貫性を保つこともマスタリングの大事な仕事であり、「作品としての完成度」を担保する段階だと語られています（引用元：LANDR)。

80％と20％の関係で例えられる違い

しばしば「音楽制作の80％はミキシングで決まり、残り20％がマスタリング」と表現されることがあります（引用元：Mastering.com)。これは、楽曲の基盤を形づくるのはミキシングであり、マスタリングは最終的な磨き上げに相当する、というイメージをわかりやすく伝えるための比喩とされています。両者が補い合うことで初めて、リスナーに届く高品質な音源が完成するのです。

このように、ミキシングとマスタリングは似ているようで明確に異なる役割を持ちます。両工程を正しく理解することで、音楽制作の全体像がクリアになり、自分の楽曲をより魅力的に仕上げられるのではないでしょうか。

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どちらをどう使い分ける？｜適切な工程の連携と専門家の視点

音楽制作において「ミキシング」と「マスタリング」は切り離せない関係ですが、それぞれの役割を理解し、どのように連携させるかが作品の完成度を大きく左右すると言われています。特にプロの現場では、この二つの工程を別のエンジニアが担当することで、客観的な視点を持ち込みながら品質管理が行える点が強調されています（引用元：Standwave)。

ミキシングとマスタリングを分業するメリット

同じクリエイターがミキシングからマスタリングまでを一貫して行うケースもありますが、別々のエンジニアが担当すると「新たな耳」で聴き直すことができると言われています。長時間同じ音源を扱っていると、どうしても音の偏りに気づきにくくなるため、第三者の視点を入れることが品質向上につながるのです。プロのスタジオでは、ミックスエンジニアとマスタリングエンジニアが連携し、それぞれの専門性を活かして作品を仕上げるのが一般的だと解説されています（引用元：Mizonote)。

ミキシングの精度がマスタリングを左右する

一方で「マスタリングで何とかなる」という誤解は避けるべきだと指摘されています。ミキシングの段階で音量や定位、EQの処理がしっかりできていなければ、マスタリングで修正できる範囲は限られるとされています。逆に、完成度の高いミックスが用意されていれば、マスタリングは音圧や質感を微調整する程度で済み、短時間でより自然な仕上がりにできると考えられています。つまり、土台を整えるミキシングの重要性は非常に高いのです。

適切な連携が生む「作品としての完成」

最終的に、ミキシングとマスタリングは「どちらが重要か」ではなく「どう連携させるか」が鍵になると言われています。ミキシングで曲の表情を作り込み、マスタリングでリスナーに届く形へと整える──この流れを意識することで、音楽はより説得力を持った作品へと昇華されるのではないでしょうか。

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補足：用語や最近の動向（Stemミックスなど）

音楽制作の世界では、従来の「ミキシング」と「マスタリング」の枠を補完する新しい手法も注目されていると言われています。その代表例が「Stemミックス」や「Stemマスタリング」です。これらは従来の工程をより柔軟に、かつ効率的に進められる方法として紹介されることが増えてきました（引用元：Wikipedia)。

Stemミックスとは？

Stemミックスは、すべてのトラックを個別に扱うのではなく、ドラム、ベース、ボーカル、シンセなどを「グループごと」にまとめて処理する方法を指します。完全なミキシングよりもシンプルで、重要な要素を大枠で調整できる点が特徴だとされています。例えば、ドラム全体を少し下げたいとき、個別のスネアやキックに触れずとも「ドラム・ステム」をまとめて操作するだけで済むのです。こうしたアプローチはリミックスや短納期の案件にも活用されやすいと説明されています。

Stemマスタリングの利点

一方のStemマスタリングは、通常のステレオ2ミックスを対象とするマスタリングとは異なり、複数のステム（パートごとにまとめた音源ファイル）を受け取って行う仕上げの手法です。ボーカルだけ、ドラムだけ、といったグループ単位で微調整できるため、最終段階での自由度が高いのが特徴だとされています。たとえば「ボーカルが少し埋もれている」と感じた場合でも、ステムを扱えるマスタリングであれば部分的な調整が可能になります。

この記事を書いた人

speak easy again

大阪の地で異彩を放つヒップホップクルー、それが「speak easy again」だ。彼らは単なるラッパー集団ではない。ビジネスの最前線で辣腕を振るうマーケターやコンサルタントとしての顔も併せ持つ、まさに新時代のクリエイティブ集団である。
2019年、世界が混沌としたコロナ禍という未曾有の状況下で、彼らはその産声を上げた。閉塞感に覆われた時代に、ヒップホップという表現形式を選び、既存の枠にとらわれない新たな価値を創造し続ける。彼らの音楽は、単なるエンターテイメントに留まらず、リスナーの心に深く響くメッセージを放ち、行動を促す力を持つ。
クルーの核となるメンバーは、それぞれが多岐にわたる才能を発揮する。
iAは、フロウとリリックで聴衆を魅了する卓越したラッパーである。その一方で、ITコンサルタントとして高度な専門知識と分析力を兼ね備える。ビジネスの世界で培った論理的思考と、音楽で培った表現力が融合し、彼独自のクリエイティビティを生み出している。複雑なIT課題を紐解く思考力は、時に難解なテーマを誰もが理解できるリリックへと昇華させる原動力となる。
そして、!hy2は、鋭い感性で言葉を紡ぐリリシストとしての顔を持つラッパーだ。さらに、マーケターとしての顔も持ち合わせる。市場のトレンドを捉える洞察力と、人々の心を掴むメッセージングの巧みさは、彼のラップにも色濃く反映されている。聴く者の感情を揺さぶる言葉選びは、まさにマーケティングの神髄を音楽で表現していると言えるだろう。
彼らは普段、大阪の中心地である梅田でサラリーマンとして多忙な日々を送る。会社員としての規律と、アーティストとしての自由な発想。一見すると相反する二つの側面が、彼らの中で見事に融合している。日々のビジネスシーンで得られる生きた情報や、組織の中で培われる実践的なスキルは、彼らの音楽に現実味と深みを与える。同時に、ヒップホップの持つ反骨精神やクリエイティブな思考は、彼らのビジネスにおける課題解決能力を研ぎ澄ませる。このように、彼らの活動は、音楽とビジネスという二つの領域を相互に高め合う独自の循環を生み出しているのだ。
「speak easy again」の活動は、常に既成概念の打破を目指す。最新シングル「Sky Is The Limit」（3月リリース）は、まさに彼らの無限の可能性を象徴する一枚だ。この楽曲は、現状に満足せず、常に高みを目指し続ける彼らの姿勢を力強く示している。リスナーは、この曲から単なる音楽以上の、新たな挑戦へのインスピレーションや、自身の限界を打ち破る勇気を受け取るだろう。彼らは、音楽を通じて「考える」ことの重要性を問いかけ、それぞれのリスナーが自身の「Sky Is The Limit」を見つけるきっかけを提供し続ける。

彼らの存在は、ヒップホップシーンに新たな風を吹き込むだけでなく、ビジネス界にも既存の枠組みを超えた創造性の重要性を問いかける。大阪発の「speak easy again」は、今後もその独自のハイブリッドな活動を通じて、音楽とビジネス、双方の領域でパイオニアとしての道を切り拓く。その動向から目が離せない存在となるだろう。